Prince Rogers Nelson llegó a asegurar que su desagrado por el rubro en el que estaba inmerso era tal que deseaba haber elegido otra carrera. Conocé por qué acá.
Prince. Foto: Jeff Katz / The Prince Estate.
Prince fue uno de los músicos más grandes e importantes de su generación, pero aunque su éxito era innegable y millones de personas lo seguían, lo cierto es que no tenía una buena relación con la industria del cuarto arte. El vínculo entre el guitarrista y las compañías discográficas surgió cuando el oriundo de Minnesota era un simple adolescente, época en la que firmó un contrato con Warner Bros. En un principio, todo marchaba sobre ruedas, pero con el correr del tiempo la relación fue mutando hacia algo no tan amigable.
Según recuerda Far Out Magazine, “en 1993, el vínculo de Prince con el sello se agrió cuando comenzó a aparecer públicamente con la palabra ‘esclavo’ escrita en la cara. Más de veinte años después, invitó a un grupo de periodistas a Paisley Park Studios en Minneapolis y repitió una frase similar. ‘Los contratos discográficos son como, voy a decir la palabra, la esclavitud. Le diría a cualquier artista joven… que no firme’”.
Prince.
El historial de conflictos entre Prince y las disqueras continuó creciendo con el correr de los años, lo que produjo que durante las últimas dos décadas de su prolífera carrera el genio de la música pasara de un sello a otro antes de regresar a Warner. En una entrevista con Los Angeles Times en 1996, el artista cuyo nombre completo era Prince Rogers Nelson aseguró que su desagrado por el rubro en el que estaba inmerso era tal que deseaba haber elegido otra carrera.
“Si hubiera sabido las cosas que sé ahora antes, no estaría en la industria de la música”, afirmó. Además, el también cantautor y productor manifestó su apoyo a TLC, el grupo femenino de R&B que se declaró en bancarrota en 1995 para salirse de un acuerdo de regalías bajas con su sello. “TLC es un grupo muy talentoso. El talento no se puede embotellar ni contener. Tenemos que despertar a eso. ¿Por qué alguien más debería estar ganando 100 millones de dólares cuando ellas están ganando 75 mil? Eso va a continuar así, esa es la triste verdad”, declaró.
El artista puertorriqueño Rauw Alejandro acaba de estrenar su tercer disco, Saturno, en el que hemos podido encontrar varias referencias a Rosalía en las letras de sus canciones. No es la primera vez que el cantante se inspira en su chica para componer temas, ya lo hizo en Aquel nap zzzz o Museo.
Las referencias de Rauw Alejandro a Rosalía en ‘Saturno’, su último disco // Europa FM
Rauw Alejandro acaba de lanzar Saturno, su tercer álbum de estudio, para el que ha tomado como inspiración la década musical de los 90. Pero parece que no es lo único en lo que se ha inspirado a la hora de crear su disco.
A lo largo de las 18 canciones que componen el disco encontramos múltiples referencias a Rosalía y sus canciones. La catalana se ha convertido, una vez más, en la musa de Rauw a la hora de componer algunos versos de sus temas de este nuevo proyecto, como ya hizo con Aquel nap zzz o Museo, canciones dedicadas e inspiradas en ella.
Hacemos un repaso por las referencias que encontramos a lo largo y ancho de Saturno:
Fuck el estilo, no combina las tenis
En la canción Verde Menta, el puertorriqueño hace referencia a la canción Saoko, uno de los temas del último disco de Rosalía, Motomami, donde la artista canta «fuck el estilo, fuck el stylist».
Pa chingar con altura
Con altura fue uno de los primeros hits de Rosalía que alcanzaron la fama mundial. Rauw ha hecho un guiño a esta canción en su tema Gatas, cuando canta «pa’ chingar con altura».
Se trata de la segunda vez que intérprete de Todo de ti hace referencia a esta canción, ya lo hizo en su colaboración con Daddy Yankee, con guiño de ojo incluido.
Chica, ¿qué dices?
Una de las referencias más evidentes de Saturno a la motomami ha sido en la canción Corazón despeinado, donde el artista puertorriqueño ha usado la famosa frase de Rosalía «Chica, ¿qué dices?«, que escuchamos al inicio de su canción Saoko.
Me lleva al cielo cuando me reza
Rosalía ya hizo referencia a Rauw con una metáfora similar en Hentai con el verso «Segundo chingarte, lo primero es Dios», entre otros muchos.
Esta vez ha sido su chico el que le ha devuelto la bala en No me sueltes cuando canta «me lleva al cielo cuando me reza», siendo rezar una manera sutil de referirse a una práctica sexual.
Sin ella no quiero 14 de febrero
2/catorce es uno de los temas más exitosos de Rauw Alejandro, en el que se pueden escuchar distintos versos dedicados a Rosi como «qué suerte, que soy el que puede comerte, qué hice para merecerte, cada día que pasa lo que siento es más fuerte».
El título de esta canción es la fecha de San Valentín (2/14 según la fórmula americana para la fecha de mes/día), que coincide con la frase de su tema No me sueltes, «sin ella no quiero 14 de febrero» ¿Concidencia o referencia?
A ti hay que echarte diésel
La catalana es la motomami por excelencia tras el lanzamiento de su último disco, por eso, el intérprete ha querido hacer un juego en la letra de su canciónQue rico ching**os, cuando canta «a ti hay que echarte diésel» una clara referencia metafórica a su chica, la motomami Rosalía.
Además el cantante ha compartido una ilustración de esta canción en la que vemos a dos personas (Rauw y Rosalía) navegando sobre una moto.
No es la primera vez que hace referencia al disco más experimental de la cantante. En Loco Por Perrerarte, colaboración con De La Ghetto, ya le dedicó un verso a esta nueva era de su chica.
El cantante argentino Paulo Londra sorprendió a sus seguidores con ‘The World is Yours to Take’, la nueva canción que formará parte de la banda sonora de la Copa Mundial de la FIFA 2022.
La canción, que ya se encuentra disponible en Spotify, también tiene la interpretación de Lil Baby. Además, Budweiser colaboró con el cantante en la construcción de su video oficial.
El artista argentino aprovechó también para enviarle un mensaje patriota al mundo y dijo: «El balón al diez para que se arme otro lío”, teniendo en cuenta la fuerza que tiene Argentina en este mundial y sobre todo la fe que está puesta en Messi para ganar el torneo.
«Mañana. 00h Argentina. 3 de los artistas más importantes del mundo. La canción oficial de la FIFA WORLD CUP 2022 #TheWorldIsYoursToTake está llegando», escribió la compañía cervecera en su cuenta de Instagram.
Como fiel admirador de la música del rapero, Cave dejó en claro que separa obra del artista.
Separar o no la obra del artista es una discusión que se viene colando en el arte contemporáneo desde hace ya varios años. Con la visibilización de las luchas feministas y disidentes, muchos parámetros sobre los ídolos fueron cambiando e incluso se destaparon delitos de cantantes, cineastas, actores y más que pusieron en jaque al público a la hora de elegir seguir consumiendo sus producciones o cancelar tanto a la persona como a su obra.
Sobre esto se ha pronunciado Nick Cave en relación a los recientes dichos antisemitas de Kanye West. Como fiel admirador de la obra del rapero, Cave expuso en una entrevista con Newsnight de la BBC (vía Stereogum) que aún sigue eligiendo y disfrutando la música de Kanye:
«En algún nivel no me importa lo que Kanye tiene para decir sobre ciertas cosas, pero sí me encanta Kanye, su música. Pero encuentro el antisemitismo en particual, desagradable. Así que es decepcionante escuchar estas frases, que ya se vuelven obvias, aburridas y reduccionistas. De todos modos, es una decisión personal seguir escuchando o no la música de esa persona. Personalmente, yo puedo. A mí me encanta la música de Kanye. Creo que ha hecho mejor música que nadie en mucho tiempo, la más interesante, desafiante, música audaz… Para mí, Kanye, controversialmente es el artista más grande de nuestra generación. Amo su música».
Anteriormente, el cantante y compositor australiano tuvo la misma postura con respecto a Morrissey y su obra. En 2019 expresó que quienes dejaron de escuchar al frontman de The Smiths por sus posiciones ideológicas simplemente se estaban perdiendo de mucho. Así, Cave se mostró completamente a favor de separar la obra del artista, básicamente porque quien más se perjudica en la cancelación es el propio oyente, que se priva del disfrute de una obra que le otorga placer. Sin dudas, muchas personas plantean que el mismo goce está atravesado por lo que el autor o autora les pueda generar y es por esto que dejan de consumir su arte.
Tres noches sold out en el Palacio de los Deportes de la Ciudad de México, es una cosa que solo te la firma una banda del tamaño de Zoé. Y es que no por nada, ellos se han convertido en el grupo más importante de la escena nacional desde hace ya varios años, de lejos.
Sí, es cierto que esta no es la primera vez que León Larregui y compañía se presentan en el reconocido ’domo de cobre’… Pero esta debe ser la ocasión que mejor define en qué lugar se encuentra la agrupación dentro de la historia de la industria musical mexicana, incluso más allá de la escena del rock o de la ondita más alternativa.
Zoé en el Palacio de los Deportes. Foto: Stephania Carmona.
Esta vuelta de Zoé al Palacio, como parte de su gira del disco Sonidos de karmática resonancia, es un buen recordatorio del tremendo legado que ellos mismos han dejado y que ha crecido a pasos agigantados, sobre todo desde la época del Memo Rex Commander para acá. Muchos hits memorables y un cúmulo de emociones diversas, es lo que la primera noche de tres seguidas de la banda en este espacio nos dejó.
“La primera vez que tocamos tres veces seguidas en el Palacio…”
Desde el primer momento, ya se notaba esa característica ambientación ultra atmosférica que a Zoé le gusta ponerle a su trabajo tanto musical como audiovisual. Y sin mucho diálogo de por medio a decir verdad, la banda salió al escenario para tirar las primeras notas de “Velur” seguida de “Karmadame”, dos de los temas más destacados del reciente disco.
“Muchas gracias, buena noche, estamos contentos de estar aquí en el primero de tres conciertos. Es la primera vez que tocamos tres noches seguidas en el Palacio”, dijo León Larregui en una de sus pocas pero sustanciosas interacciones con el público. Incluso con esa vibra tan calmada que le caracteriza, el vocalista se notaba entusiasmado con cada ’gracias’ que lanza a la gente tras terminar sus canciones.
Sergio Acosta con Zoé en el Palacio de los Deportes. Foto: Stephania Carmona.
Tras ”No hay mal que dure”, la buena onda en el ambiente creció con ”Últimos días” que hace que todos extiendan los brazos hacia arriba y de un lado a otro. Celebración total en apenas unos pocos temas del repertorio.
Pero a Zoé también le late entrarle a las sensaciones romántico-sad. El trancazo vino en ese sentido con ”Azul”, canción que te pone nostálgico incluso si no andas pasando por el infame mal de amores. Casi seguro que muchos habrán pensado en que tristear nunca fue algo tan chido como hacerlo en un concierto así.
León Larregui con Zoé en el Palacio de los Deportes. Foto: Stephania Carmona.
El respaldo de la gente a tope para Zoé
Como dijimos antes, la carrera de Zoé está plagada de hits memorables. Prácticamente, es muy difícil encontrar a alguien que no se sepa o que mínimo no se eche una tarareada de alguna canción. Ahora, en lo que respecta este primer show de tres de la banda en el Palacio de los Deportes, es notable el coro al unísono que retumba en el recinto.
Al nivel de gradas, rolas como ”Nada”, “Fin de semana” o la propia ”10 AM” incluso se escuchaban por momentos más en la voz colectiva de los fans que desde el audio del escenario. Voluntaria o involuntariamente, Larregui dejaba que la gente se rifara en el acompañamiento de estos coros casi perfectos.
¿Un poquito más de nostalgia y emotividad? Oh sí… entonces llegó “Arrullo se estrellas” que nos puso en ese mood de melancolía agradable, con todo el mundo encendiendo las lámparas de sus celulares para adornar el interior de Palacio junto con la canción. Es una de esas rolas capaces de hacerte un nudo en la garganta, sobre todo en el entendido de que es una dedicatoria para aquellos que ya no están con nosotros.
La avalancha de canciones que ya podríamos considerar clásicas de Zoé, continuaron con “Paula” y “Vía láctea”, dos de las joyas más recordadas de aquel parteaguas que fue el ya mencionado Memo Rex Commander. Y es justo decirlo, fueron un par de las canciones más coreadas de la noche.
Luego, por ahí vino “Labios rotos”, que muchos tenemos internalizada a través de aquella magnífica versión del Unplugged, que es básicamente la versión más conocida del tema. Pues bien, para esta versión de sus conciertos -en caso de que no la hayan escuchado-, resultan muy interesantes algunos arreglos de corte más electrónico que le dan al tema un peso muy distinto en vivo. Sí, está lejos del encanto acústico de su versión conocida, pero es bastante buena a decir verdad.
En este punto, debemos decir que la escenografía, los visuales y el trabajo de producción sobre la tarima en general, es bastante sobresaliente. Muy rifadas las imágenes psicodélicas que de repente se proyectan, así como los diferentes gráficos que quedan muy acorde con cada una de las canciones. Muy, muy rifado también ese aspecto.
“Somos una familia”
Una vez que terminaron “SKR”, llegó la hora del tramo final del concierto. Un sonido ambiente lleno de mística sonó por varios minutos, lo que abrió paso a “Fiebre“. Y para recordar un poquito más de aquel Unplugged de inicios de la década del 2010, pudimos escuchar una versión de “Luna” que funciona bien en vivo aún cuando la voz de Denise Gutiérrez (vocalista de Hello Seahorse!) parece un ingrediente irremplazable.
El público nuevamente se roba los coros cuando suenan “No me destruyas” y “Soñé”, otro par de clásicos infaltables para una presentación genial en la que León, de nuevo en una intervención breve para despedirse, menciona que le da gusto ver a nuevas generaciones de fans entre el público.
“Qué rica familia… somos una familia”, dice el vocalista. ¿Qué rola vino al cierre? Claro, no podía ser otra que “Love” en una entrega más ‘guitarresca’ que en la versión de estudio. Faltan dos noches más en el domo de cobre, que seguro volverá a escuchar a miles de fans cantando cada una de las rolas que han hecho de Zoé la banda más importante de México en los últimos años.
El ex líder de ‘Héroes del Silencio’ se retiró de la escena hace pocos meses y ahora vuelve con una nueva producción musical.
Su primera obra como solista salió en 1997 y se llamó ‘Radical Sonora’.Créditos: Cuartoscuro
Por Damaris Sánchez
Escrito en ENTRETENIMIENTOel
Comparta este artículo
Enrique Bunbury ha hecho una gran aportación al rock en español desde sus inicios como vocalista con“Héroes del Silencio”. Seguramente recuerdas temas como “Entre dos Tierras” y “Maldito Duende” durante su época con la banda mientras que como solista lanzó grandes éxitos como “Lady Blue” y “Frente a Frente”.
En «8 Track», Cheko Záun nos cuenta acerca de la vida musical de varios artistas reconocidos a nivel mundial que no te puedes perder.
La voz del ex héroe es única. Beto Castillo es líder de la academia “Art E-Learning”, quien recalca que es un barítono con un rango agudo importante y utiliza un “vocal fry” que es el registro más grave que la voz humana puede producir.
La respuesta a esta pregunta no está confirmada. Bunbury anunció a través de sus redes sociales el inicio de la grabación de un nuevo álbum, esto después de haber dicho adiós a los escenarios en los últimos meses por problemas de garganta.
‘Psycho B**ch’ es el nuevo tema musical con el que la actriz, cantante y empresaria mexicana Thalía llega para arrasar con actitud y energía el escenario. Una mezcla de su sello en el pop, con el ritmo del disco y la electrónica.
El sencillo llega como una respuesta a sus fans, quienes llevaban aproximadamente un año sin escuchar noticias sobre alguna nueva producción musical de la artista.
Y, como es común, las letras de sus canciones vienen cargadas de fuerza, empoderamiento femenino, seguridad y mucha personalidad, algo que también dejó claro con el nuevo tema, en el que participó como coescritora.
El video musical se grabó en Miami, bajo la dirección de Marlon P. y la producción de Anca Valeanu. Pero Thalía estuvo al frente de la dirección creativa, en la que quiso traer elementos de los años 70 y 80 para combinarlos con el presente.
Tanto el video como la letra de la canción son un mensaje para aceptar el lado ‘loco’ o ‘diferente’ de cada uno para ser realmente libres y auténticos.
El sencillo está disponible desde el 4 de noviembre en Apple Music, Spotify, Amazon Music, YouTube, TikTok, iTunes Store, Deezer, Pandora y Tidal.
Y, tan solo con un día en YouTube, ya cuenta con 383.625 visualizaciones y más de 25 mil ‘me gusta’.
Thalía, quien es considerada como uno de «los artistas musicales latinos con mayores ventas» por haber vendido más de 25 millones de discos como solista, estará presentando la versión 23 de los premios Grammy Latinos el próximo 17 de noviembre de 2022 por Univision.
Rauw Alejandro está a punto de publicar Saturno, su tercer álbum de estudio, y promete ser su creación más potente hasta el momento. Con tres adelantos en el aire, el puertorriqueño ha publicado un fragmento de una canción del disco que aún no se encuentra el plataformas digitales. El lanzamiento está previsto para el 11 de noviembre de 2022.
Rauw Alejandro sorprende con un adelanto de ‘Saturno’, su próximo álbum, y deja varias pistas // Getty Images
Rauw Alejandro está a punto de publicar su tercer álbum de estudio. Despues de Afrodisiaco, y Vice Versa, el puertorriqueño viene con Saturno, que promete ser su álbum más cañero y diferencial.
Actualmente conocemos tres de las 18 canciones que formarán parte del tracklist de Saturno: Punto 40, Lokera y Dime Quién????, pero Rauw ha sorprendido con un nuevo adelanto.
Y es que el cantante, que está muy activo en Twitter, escribió un tweet en el que dejaba caer que, en poco tiempo publicaría alguna pista de su nuevo disco. Efectivamente, horas después el artista compartía en su perfil de TikTok un fragmento de una de sus canciones.
Se trata de Que rico chingamos, la sucesora de 2/catorce, una de las canciones más exitotas del cantante en TikTok, que promete superarla, es por eso que Rauw ha mandado un mensaje a sus fans junto a este adelanto: «Yo se que hay muchos fans que les encanta el Rauw de 2/14».
Rauw Fecha de lanzamiento: 11 + 11 = 22
A través de sus redes sociales, Rauw ha anunciado que su próximo trabajo verá la luz el 11 de noviembre del 2022.
Esta fecha parece estar estratégicamente planeada, pues el artista publicó un tweet con una suma: 11 + 11 = 22, coincidiendo en redondo con la fecha de publicación de saturno, el 11 de noviembre de 2022 ¿Querrá decirnos algo con esto?
Rauw explica cómo escuchar Saturno
Como comentábamos, desde que anunció el lanzamiento inminente de Saturno, el puertorriqueño está muy activo en redes, y ha aprovechado para responder algunas de las preguntas de sus fans sobre su nuevo disco.
En este caso, uno de sus seguidores le ha preguntado con cuál canción le recomienda empezar a escuchar el disco, y Rauw Alejandro lo tiene claro: quiere que se escuche su álbum en orden.
Y es que en muchas ocasiones, los cantantes ordenan el tracklist de su disco contando una historia, y es fundamental escucharla en el orden en el que aparecen, como han hecho artistas como The Weeknd o Adele. Esta última consiguió que Spotify borrase el botón de reproducción aleatoria, reclamando la decisión de los artistas de sobre el orden de las canciones de sus álbumes.
¿Colaboración con Rosalía?
Muchos de los fans de Rauwsalía están ansiosos por el lanzamiento de Saturno porque piensan que podría haber una colaboración con la catalana. Y esque en la entrevista de Rosalía con Los Angeles Times durante en Motomami Tour salió el tema de una posible colaboración con su pareja.
«Mezclar sentimientos en los negocios es muy complicado. Nuestra conexión es muy fuerte, pero todavía estamos aprendiendo el uno del otro y construyendo una base», explicaba la intérprete de Despechá.
Lo que si sabemos es que a Rauw le encantaría que su chica le produjese un disco completo, y lo ha comentado en distintas ocasiones.
El rapero, hermano pequeño del miembro de los Backstreet Boys Nick Carter, ha sido hallado sin vida en la bañera de su casa en California.
La vida le sonrió mucho y muy pronto al cantante de pop Aaron Carter hasta que, también demasiado rápido, dejó de hacerlo. Este sábado, la policía ha hallado su cadáver en la bañera de su casa de Lancaster (California).
Tenía 34 años. El portal estadounidense de cotilleos TMZ, toda una referencia en estos asuntos, fue el primero en dar la noticia de su muerte. Los servicios de emergencias recibieron una llamada a las once de la mañana. Era un vecino, avisando del ahogo. De momento, no han trascendido más detalles del suceso.
Hermano de otra estrella, Nick, de los Backstreet Boys, Aaron Carter comenzó su carrera musical a los siete años como líder de la banda local Dead End. Su primera aparición pública como solista fue dos años después, en 1997, como telonero en Berlín de la boy band de su hermano. Pronto consiguió un contrato de grabación y publicó su primer sencillo, Crush on You. El debut discográfico largo, Aaron Carter, fue ese mismo año disco de oro rápidamente en varios países, entre ellos, España. En total, vendió un millón de copias.
En sus siguientes discos, Aaron’s Party (2000) y Oh Aaron (2001), abundó en la receta de pop comercial dirigido a adolescentes del primero. Las listas de ventas siguieron sonriéndole y giró con estrellas como Britney Spears. El cuarto álbum, Another Earthquake!, llegaría en 2002 con ciertas señales de madurez. “Crecer puede resultar tan extraño”, cantaba en la segunda canción, To All the Girls. Aún no había cumplido los 15.
Los años siguientes dieron la razón a esa letra. Se sucedieron los problemas con su representante, la sequía creativa y los tumbos por las cunetas de la fama. Participó en 2009 Dancing with the Stars, donde se tuvo que conformar con un quinto puesto, y tonteó con otros experimentos de telerrealidad. Hizo alguna colaboración con raperos como Flo Rida o Busta Rhymes, se tatuó unas cuantas veces y regresó a los escenarios. En 2012, murió su hermana Leslie a los 25 años, a causa de una sobredosis. En 2018 publicó un disco en el que supo sumarse al sonido de su época; dejó atrás el pop y abrazó el r&b con tintes raperos que extendió su reinado por el final de la década pasada.
En los últimos años llegaron nuevos problemas legales y con las drogas. En 2019, su hermano Nick pidió una orden de alejamiento por amenazas de muerte a su esposa, Lauren Kitt. “Debido al comportamiento cada vez más alarmante y de su reciente confesión de que alberga pensamientos e intenciones de matar a mi mujer embarazada y a nuestro hijo nonato, no nos ha quedado otra elección que tomar todas las medidas posibles para protegernos a nosotros y a nuestras familias”, escribió el cantante entonces.
En septiembre de ese año, Aaron contó en una entrevista que padecía un trastorno bipolar, además de esquizofrenia, depresión y ansiedad. Quiso reforzar su confesión mostrando la ristra de medicamentos que le habían sido recetados.
Ese mismo mes, la policía se presentó cuatro veces en su casa alertada por llamadas que hablaban de que amenazaba con autolesionarse y que tenía un arma. Poco después, su representante, Steve Honig, emitió un comunicado en el que informaba de que el cantante iba a ingresar en un centro de rehabilitación. “Aaron ha decidido entrar en una institución para mejorar su salud y trabajar en su bienestar general. Necesita un buen bofetón que lo despierte y espero que esto lo sea, porque tiene mucho talento y necesita parar de hacer lo que está haciendo”. Aún no está claro qué lo mató este sábado, pero todo indica que ese bofetón nunca hizo su efecto.
La canción sale al público luego de un año sin escuchar noticias musicales de la actriz mexicana.
‘Psycho B**ch’ es el nuevo tema musical con el que la actriz, cantante y empresaria mexicana Thalía llega para arrasar con actitud y energía el escenario. Una mezcla de su sello en el pop, con el ritmo del disco y la electrónica.
El sencillo llega como una respuesta a sus fans, quienes llevaban aproximadamente un año sin escuchar noticias sobre alguna nueva producción musical de la artista.
Y, como es común, las letras de sus canciones vienen cargadas de fuerza, empoderamiento femenino, seguridad y mucha personalidad, algo que también dejó claro con el nuevo tema, en el que participó como coescritora.
El video musical se grabó en Miami, bajo la dirección de Marlon P. y la producción de Anca Valeanu. Pero Thalía estuvo al frente de la dirección creativa, en la que quiso traer elementos de los años 70 y 80 para combinarlos con el presente.
Tanto el video como la letra de la canción son un mensaje para aceptar el lado ‘loco’ o ‘diferente’ de cada uno para ser realmente libres y auténticos.
El sencillo está disponible desde el 4 de noviembre en Apple Music, Spotify, Amazon Music, YouTube, TikTok, iTunes Store, Deezer, Pandora y Tidal.
Y, tan solo con un día en YouTube, ya cuenta con 383.625 visualizaciones y más de 25 mil ‘me gusta’.
Thalía, quien es considerada como uno de «los artistas musicales latinos con mayores ventas» por haber vendido más de 25 millones de discos como solista, estará presentando la versión 23 de los premios Grammy Latinos el próximo 17 de noviembre de 2022 por Univision.
/cloudfront-eu-central-1.images.arcpublishing.com/prisa/EPYQ5CJRIFDKRK63FONLGR2UCU.jpg)
