Discos cosecha 1991

Ya son 30 años de un año que se terminó convirtiendo en uno de los sucesos musicales de finales del siglo XX, y también de una especie de re-ignición en el rock, desde muchas aristas, formas y estilos. 1991 fue uno de los años que albergó una producción de discos en estudio mas notable e influyente en la historia del rock , y en este 2021 que arranca ya se cumplen 30 años de todo ello.

LA EXPLOSIÓN DEL GRUNGE

Nevermind, Nirvana.

Ya en pleno apogeo de la era grunge, que se estaba devorando todo comercialmente surgen discos clave en el estilo y que iban a revolucionar toda la década y musicalmente toda una generación. Hablamos primero del gran Nevermind de Nirvana, sin duda explosivo, en un momento perfecto en que llega un semi desconocido Dave Grohl desde la banda Scream a instaurar el sonido en la batería que buscaban los de Seattle, junto a  Krist Novoselic al bajo y Kurt Cobain en guitarra constituyéndose como formato de power trio. Todo un suceso debido al histórico peak en la industria, que fue principalmente cuando logró derrocar al álbum “Dangerous” de Michael Jackson en el ranking Billboard y puntapié inicial para la inminente supremacía del rock por sobre el pop en cuanto a ventas y miradas de los medios se refiere. Disco de cabecera para muchos de esa atesorada generación hasta el día de hoy. La cantidad de singles importantes para la historia de la música rock y el grunge fueron numerosos: ‘Smells Like Teen Spirit’, ‘Lithium’, ‘Come as You Are’ o ‘In Bloom’ sólo por nombrar las mas conocidas, el disco en su integridad fue y sigue siendo un hito en la historia.

Ten, Pearl Jam

Pero la movida de Seattle aún tenía mas que decir, ese mismo año surgió uno de los debuts mas aclamados en la historia del rock alternativo como lo conocemos. Tras la separación de Green River y Mother Love Bone, bandas pioneras en el estilo y la incorporación de Eddie Vedder y Dave Krussen (voz y batería respectivamente) surgió una unión prácticamente insuperable llamada Pearl Jam, banda que debutaba con canciones predefinidas en proyectos anteriores de los músicos Stone Gossard, Jeff Ament y Mike McCready. El disco se tituló Ten, donde sobresale el tándem de guitarras y  la inyección de hard rock muy influenciado por el sonido de Led Zeppelin, agregando el falsete característico de Vedder tan imitado en bandas posteriores del estilo. Un disco prácticamente con nulos puntos bajos. Himnos como ‘Alive’, ‘Jeremy’ o ‘Black’ catapultaron esta placa como imprescindible y a la banda como una de las mas importantes del rock contemporáneo, mucho mas allá del fenómeno grunge a estas alturas inclusive.

Badmotorfinger, Soundgarden

Otra de las grandes de Seattle no se hizo esperar y apareció con un disco con un sonido demoledor en octubre de este gran año, hablamos de Soundgarden y Badmotorfinger, firmado con el sello A&M Records, un disco lleno de crudeza, mezcla de estilos, sonidos trabajados donde se fusiona todo ese rock experimental de discos anteriores con la oscuridad y el hard rock al más puro estilo Black Sabbath y Led Zeppelin, sumado todo esto a una gran lírica surrealista, política y contestataria demostrada en ya himnos a estas alturas como ‘Jesus Christ Pose’, ‘Outshined’ o ‘Rusty Cage’. Pieza fundamental y una de las favoritas del género por ese sonido incansable y riffs casi metálicos, aparte uno de los grandes registros vocales de los últimos años, el versátil Chris Cornell. La revista Guitar World lo catalogó en el puesto 45 de los mejores discos del rock de la historia.

Temple of the Dog
Ya mencionado que este iba a ser el gran año de la movida grunge, o por lo menos el año en que directamente el estilo iba a ser considerado relevante para lo que era el mainstream y los estándares comerciales, dio vida uno de los proyectos mas notables del estilo, el álbum homónimo llamado Temple of the Dog, con el fin de rendirle tributo al fallecido vocalista de Mother Love Bone, Andrew Wood, precursor del estilo y personaje del ambiente muy querido por el círculo y que murió en circunstancias lamentables (sobredosis de heroína) en 1990. El nombre fue extraído de uno de los versos escritos por Wood en su tema ‘Man of Golden Worlds’. La banda, una fusión perfecta de dos de las más grandes bandas del momento: Soundgarden, aportando con el vocalista Chris Cornell y el baterista Matt Cameron y por otro lado Pearl Jam incluyendo a los músicos Eddie Vedder (coros), Stone Gossard y Mike McCready (guitarras) y Jeff Ament (bajo), una comunión notable de estas dos bandas que se encontraban plenamente activas y con sendos lanzamientos de discos propios en esos momentos.

El disco en sí mas que ser un mero tributo se convirtió en todo un hito en la escena, lleno de bien logradas composiciones y con un grado de emotividad, el propósito de tributar a un amigo recién fallecido en la práctica se cumplió a cabalidad, la cuota de tristeza y nostalgia se hace notar a lo largo de los 10 tracks evidentemente. Dotado de grandes himnos de esta generación como ‘Say Hello 2 Heaven’, ‘Reach Down’ o la impecable ‘Hunger Strike’, un dueto vocal entre Cornell y Vedder, se convirtió en una pieza infaltable de la movida, aunque paradójicamente tuvo su merecido éxito en 1992, dado que ya a esas alturas Tanto PJ como Soundgarden habían logrado su reconocimiento con sus respectivas placas editadas en 1991.

EL AÑO DEL ROCK ALTERNATIVO

Trompe le Monde, Pixies

Aunque Pixies ya había cimentado su éxito y la mayor parte de su carrera y realizado grandes discos a finales de los 80, en 1991 grabaron su cuarto larga duración, Trompe le Monde, en un momento complicado para la banda debido a las constantes disputas de liderazgo entre Francis Black y Kim Deal. No obstante, fue el último disco de la banda antes de su inminente separación tan llena de polémica debido al anuncio público inesperado por parte de Black sin siquiera haberlo definido con la banda, un duro golpe para los fans y para el resto.

El disco mantuvo las temáticas de ciencia ficción y referencias ufólogas que ya habían venido haciendo anteriormente, canciones como ‘Planet of Sound’ o ‘Motor to Rosswell’ daban cuenta de aquello. Sin ser el mejor disco de la banda fue un disco importantísimo en lo que se generaría de ahí en adelante dentro de los estándares del rock alternativo en los 90.

Sailing the Seas of Cheese, Primus

Si hablamos de bandas originales, innovadoras, experimentales si se quiere, por ahí podríamos encasillar de alguna manera a Primus, herederos directos del sonido progresivo de Rush, de la locura de Frank Zappa y la vanguardia de The Residents, y con un trío de músicos virtuosos a la altura como Les Claypool en las voces y bajo, Larry LaLonde y Jay Lane en guitarra y batería respectivamente. El disco en cuestión: Sailing the Seas of Cheese, bastante lúdico aunque contiene mensajes de protesta al mismo tiempo en contra de la administración Bush padre, logra un sonido completamente original y visionario. De aquí resaltamos grandes composiciones como ‘Tommy the Cat’—pieza fundamental en la historia de la banda— o ‘Jerry Was a Race Car Driver’, el disco si bien es lento a momentos, en otros logra una potencia rockera única, el timbre característico y divertido de Claypool es el que le dio la personalidad a la banda que mantiene hasta el día de hoy.

Achtung Baby, U2

Achtung Baby, para muchos el mejor disco de U2, dotado con una avalancha de éxitos como ‘Misterious Ways’, ‘One’, ‘The Fly’, ‘Even Better Than the Real Thing’ entre otras, además dio pie a una de las giras mas producidas y conceptuales de la historia, Zoo TV, una performance que incluía 36 monitores de vídeo, numerosas cámaras de televisión, dos puestos de mezcla separados, 26 micrófonos en el escenario, 176 altavoces y 11 Trabants laboriosamente pintados, todo con el fin de abastecer a mas de 2000 hogares con una transmisión on line de su show pero a la vez llenando de mensajes sociopolíticos. Fue el punto de inflexión de U2 donde incursionaron en un sonido mas electrónico y que iba a ser la pauta para producciones posteriores.

Gish, The Smashing Pumpkins

Butch Vig, el mismo que en este año produjo el sublime Nevermind de Nirvana se encargó de las perillas en el que nos toca a continuación: Gish, el álbum debut de The Smashing Pumpkins, donde tenemos a un omnipotente y acaparador Billy Corgan componiendo todo el disco, exceptuando la canción ‘I Am One’, donde contribuyó el guitarrista James Iha. Ya en estos tiempos, estamos hablando de los inicios de la banda, Corgan impuso su especie de ‘tiranía’ musical, asunto que desde ya provocaba malestar en el resto de la banda y que mas tarde iba a culminar en una especie de ‘crónica de una muerte anunciada’, aunque sucedieron varios discos antes de que esto ocurriera, dentro de los cuales están los mas destacados de la banda y que llegaron a opacar esta producción. Destacan los cortes mas sabáthicos como el mencionado ‘I Am One’ y ‘Siva’ o la delicadeza de ‘Rhinoceros’, entre otros. El punto de partida para una banda que tenía mucho mas que decir a futuro.

Leisure, Blur

Por el viejo continente surgía uno de los grupos que iba a dar mucho que hablar y que quizá ni ellos mismos se lo imaginaron. Desde la localidad de Colchester, Essex, Inglaterra, estos cuatro estudiantes que se conocieron en la Universidad de Londres justamente unieron sus fuerzas y después de obtener cierta reputación en el movimiento shoegazing —que era lo que estaba pegando en esos años, a fines de los 80, en los circuitos subterráneos en Inglaterra— adquieren un contrato con Food records, sello subsidiario de EMI y lanzan su primer disco: el gran Leisure. Avalado con el primer single ‘She’s So High’, el cual logró posicionarse en el #48 de los charts británicos, canción para nada exenta de polémica debido a su poster promocional y letra sugerente la cual le valió la mirada de los medios y algunas presentaciones en shows de TV británicos. Pero iba a ser ‘There’s Not Other way’, una canción notoriamente provenida de la escuela de los Happy Mondays y, dicho sea de paso, el más pop del disco, la que entraría directo en el #8 de los rankings británicos y logrando un éxito bastante menor pero rescatable en EE.UU. Debido a la incursión del tema ‘Sing’ mas tarde en la banda sonora de la película de Danny Boyle ‘Trainspoting’, en 1996 lograron de alguna manera ser considerados parte del sonido de esa generación noventera semi sicodélica pero que indicaba que algo realmente estaba pasando entre el sonido indie y britpop.

Into the Great White Open, Tom Petty & The Heartbreakers
Después de una cantidad de discos importantes y su paso por una superbanda creada a fines de los 80 como los Traveling Willburys, que de seguro le trajo buenos dividendos y un buen training a Tom Petty al compartir experiencias con viejos zorros como Bob Dylan, Roy Orbison, Jeff Lyne o George Harrison, editó su disco Into the Great Wide Open, un disco bastante aceptable y que fue promocionado con los singles ‘Learning to Fly’ e ‘Into the Great Wide Open’, este último acompañado de un video protagonizado por Johnny Depp, interpretando al ficticio rockstar Eddie Rebel y su ascenso y caída en el mundo del rock ‘n’ roll. Otras celebridades aparecen también como Faye Dunaway y Terence Tremp D’arby. El disco marcó una transición en su paso por Traveling Wilburys, banda ya disuelta después de la trágica muerte del gran Roy Orbison y dio pie a su reunión con los Heartbreakers, su banda soporte por excelencia. Un buen paso, aunque con la explosión de discos en ese momento pasó un tanto desapercibido.

Blood Sugar Sex Magik, Red Hot Chili Peppers

Dentro de los discos más notables editados en este glorioso año también se encuentra Red Hot Chili Peppers y Blood Sugar Sex Magik, uno lleno de energía, vitalidad y que dio otro status a la banda tanto en fama como popularidad y de paso un sonido que terminó por redefinirlos. Terminando así su contrato con EMI y un breve paso en negociaciones con Sony/BMG, terminaron firmando con Warner y reclutando a uno de los productores que con este disco se anotó uno de sus mas grandes trabajos, inclusive hasta el día de hoy. Hablamos del ingenioso Rick Rubin, el cual le inyectó a la banda una buena dosis de renovación sonora, ocupando técnicas innovadoras de grabación y un amplio margen de fusión de estilos que determinó una variedad estilística muy interesante (mucho funk, hip-hop, metal, soul, etcétera).

Como centro estratégico eligieron la mansión de Houdini, ubicada en el area Laurel Canyon en Los Ángeles y predecida por el mito de que estaba embrujada, lo cual causó algo de estupor al baterista Chad Smith, quien fue el único en dejar la mansión tras las sesiones diarias, dado que el resto de la banda la habitó como residencia particular durmiendo cada uno en algún extremo de la gran casona. Cabe decir que la mansión más adelante iba a ser ocupada por otras grandes bandas siempre acompañadas por la producción de Rubin, digamos que la escogió como amuleto de éxito, lo cual fue bastante acertado ya que grandes discos salieron de ahí mas adelante (Slipknot, Linkin Park, Audioslave, entre otros).

El enfoque de RHCP fue asumiendo un espectro de poder expandir sus horizontes musicales y de qué manera lo consiguió: Kiedis líricamente abarcando temas centrales como el sexo en canciones como ‘Suck My Kiss’, ‘If You Have to Ask’, ‘Sir Psycho Sexy’, ‘Give It Away’ y ‘Blood Sugar Sex Magik’, las dependencias a las drogas, la angustia y la automutilación, como en ‘Under the Bridge’ (cancion prácticamente autobiográfica de Kiedis) que habla de su paso por el “lado oscuro” cuando casi tocó fondo drogándose bajo un puente junto a vagos adictos y traficantes; la Rubiniana ‘The Greeting Song’, que habla del Chevrolet y de carreteras que escribió Kiedis no del todo conforme, sólo para complacer al productor.

El disco alcanzó el nivel deseado y con creces, considerado como uno de los mas influyentes del rock alternativo desde los 90 hasta la fecha, la crítica especializada de esos años se deslumbró ante su sonido, composición y lírica. Pero tanta grandilocuencia traería conflictos internos post lanzamiento y en medio de la gira de promoción el guitarrista John Frusciante empezó a sentirse alienado de la fama y grandes shows de la banda, siempre le acomodó el tocar en circuitos más underground, lo cual provocó distintos cambios de lineup alternando con Smashing Pumpkins, Pearl Jam y Nirvana principalmente. La actitud del guitarrista fue totalmente repudiada por la banda ya que no estaba rindiendo lo esperado, se quedaba muy al costado del escenario tocando en una sintonía distinta y causando problemas al sonido en vivo, al límite que en 1992 decidió no salir a tocar en un show en Japón a lo cual el resto de la banda logró convencerlo, pero terminado el set Frusciante decidió dejar la banda.

El disco fue multiplatino y solo hasta el lanzamiento en 1999 del álbum Californication pasó a ser el segundo mas vendido de los angelinos.

Out of Time, R.E.M.

El disco que finalmente dio el reconocimiento masivo a R.E.M. fue Out of Time, por lo menos en ventas millonarias, ya que con el antecesor Green habían alcanzado cierto nivel de status dentro de la escena del rock alternativo, un disco dotado de un poderoso single: hablamos de ‘Losing My Religion’, acompañado de un misterioso video que generó una polémica con la iglesia católica por esos días sobre todo por las imágenes de San Sebastián y religiones varias mezcladas, además considerando que su protagonista era un Michael Stipe con alas de ángel, concepto basado en un cuento de Gabriel García Marquez ‘Un señor muy viejo con alas enormes’, que retrataba la historia de un viejo muy a maltraer que cayó del cielo y fue exhibido en actos circenses. El sencillo aún a estas alturas es considerado el más exitoso de la banda e himno imprescindible en todos sus conciertos.

Otras canciones dignas de destacar fueron ‘Shinny Happy People’ donde Stipe se acompaña vocalmente de Kate Pierson de los B-52’s y lo propio hizo en Radio Song pero con el rapero KRS-one. El disco dista mucho de ser rockero en toda la esencia de la palabra. Su fuerte son los arreglos de cuerdas y las melodías pop, aunque sin duda fue trascendental en la discografía de los college rockeros de Athens.

NUEVOS AIRES PARA EL METAL Y EL HARD ROCK

Álbum negro, Metallica

Otro hito en la historia del metal o derechamente un trascendente paso estilístico apareció con el disco negro u homónimo de Metallica de 1991. Innovando con un promisorio productor como Bob Rock, que venía de ganárselo todo con Mötley Crüe, inyectó nuevos aires para los de San Francisco, dejando el thrash ochentero de lado, innovó en el sonido de Metallica hasta el punto en que los mismos integrantes no sabían qué estaban haciendo, incluso hubo momentos tensos en las sesiones de grabación, pero que fueron cediendo al ser escuchados los resultados por parte de la banda. Es así como Bob Rock se gana la admiración e incluso a partir de estos momentos pasaría a ser considerado como el quinto Metallica. Es el primer disco en que la banda logra crear verdaderos hits y en abundancia, la inmortal ‘Enter Sandman’, el poder de ‘Sad But True’, la emotiva ‘The Unforgiven’ o la inmensamente aclamada ‘Wherever I May Roam’ son sólo algunos éxitos que contuvo este disco. Por otra parte fue el disco en que Metallica derechamente estaba explorando nuevos caminos sonoros y dejando de lado la vieja escuela, lo cual los viejos fans en gran parte renegaron, pero por otro lado llegaron muchos otros que se sintieron reencantados de estos nuevos bríos que se le estaba dando al metal iniciada esta década.

Use Your Illusion I y II, Guns N’ Roses

Ya a finales de los ochenta que Guns N’ Roses venía metiendo más que bastante ruido, los excesos derivaron a la salida del baterista Steven Adler ya a principios de los noventa y la inclusión de Matt Sorum e incluso un tecladista como Dizzy Reed. Una vez establecidos como quinteto, la banda liderada por Axl Rose se compenetra en lo que iba a ser su obra cúlmine, o por lo menos lo mas ambicioso y grandilocuente jamás realizado antes: los discos Use Your Illusion I y II. Se trata de un par de discos que fueron lanzados simultáneamente, el material ya estaba listo pero por estrategias comerciales no se lanzó en un solo disco doble.

Musicalmente la banda exploró terrenos del rock clásico, mucho R&B, las influencias de The Rolling Stones, Aerosmith son notables, pero sin dejar su abrumadora potencia y su dosis de punk rock, pues esta es la conjunción que hizo a estos discos de los mas grandes.

Los discos contribuyeron con clásicos infaltables en el hard rock, tales como la épica ‘November Rain’, ‘Don’t Cry’ o el excelente cover de Paul McCartney ‘Live and Let Die’, en el disco I, y en el II aparecieron otros hits como ‘Civil War’, ‘Estranged’ y otro cover (esta vez del legendario Bob Dylan) ‘Knocking on Heaven’s Door’. Pero eso no era todo, la mayoría de las canciones incluidas en ambas placas fueron de una potencia y experticia casi al borde de la perfección, ambos discos se equilibraron muy bien con riffs endemoniados gracias a las sendas ejecuciones de Slash e Izzy Stradlin, un bajo preponderante como el de Duff McKagan, y Matt Sorum simplemente una máquina en la batería y por que no decirlo: Axl Rose haciendo lo suyo con el micrófono, que a fin de cuentas es lo mejor que sabe hacer en el contexto musical. Un par de maravillas de álbumes que no se repitirán jamás, de esos que solo el momento pudo brindar.

For Unlawful Carnal Knowledge, Van Halen

En plena segunda etapa de los americanos Van Halen (hablamos del período con Sammy Hagar), ya pasados varios años desde que se produjo la confusa separación del vocalista David Lee Roth, la banda había logrado cierta estabilidad en su manera de componer. Si bien el sonido ya no era ese rock ‘n’ roll clásico de sus primeros discos y dejando de lado ese estilo tan lúdico que le estampó Lee Roth, aquí ya establecen una madurez musical y profesional digna de resaltar. Hablamos por supuesto del disco de 1991For Unlawful Carnal Knowledge, que evidentemente y debido a declaraciones de sus propios miembros era un acrónimo de la palabra F.U.C.K. aunque en realidad no es el real origen de la palabra, pero el nombre de su gira lo condijo al nombrarla ‘F.U.C.K. ‘ N’ Live Tour’, por lo menos en el idioma VH ese era su real significado.

El contenido del disco vio a un Eddie Van Halen más que inspirado y viviendo uno de sus mejores momentos, no por nada se ganó el crédito de Guitar Hero a la precoz edad de 21 años gracias a sus innovadoras técnicas realizadas en los primeros discos, aquí sigue haciendo de las suyas pero de una forma mas “centrada” por decirlo de alguna forma.

El disco si bien no tuvo los éxitos de sus clásicos anteriores se hizo acreedor de un premio Grammy y fue multiplatino en EE.UU., lo cual no deja de ser, un disco mucho mas que un simple paso más en la carrera de los californianos.